Denis
Villeneuve est un cinéaste très doué, et manifestement il est vrai, comme il
l'affirme, qu’il prend le cinéma très au sérieux. Rien n’est laissé au hasard
dans ce second long métrage, tout est extrêmement travaillé et construit, d'une
façon presque maniaque et peu commune dans le cinéma québécois, le plus souvent
si platement télévisuel. La force de Denis Villeneuve réside dans le travail
esthétique, dans les préoccupations formelles qui sont ses obsessions (couleurs,
mouvements de caméra, textures, enchaînements, construction du récit, direction
photo), et tout cela est absolument impeccable dans
Maelström. De toute
évidence, la collaboration entre Denis Villeneuve et André Turpin apporte des
fruits de grande qualité. Turpin, lui-même un des cinéastes les plus doués de
l'heure au Québec, signe une fois de plus avec ce film une direction photo à
couper le souffle. Le travail des textures, des couleurs, du grain de l'image
vaut à lui seul un visionnement de
Maelström,
visuellement abouti comme peu de films peuvent l'être de nos jours au Québec.
Il
faut ajouter à cela et au crédit de Denis Villeneuve ce qui manquait sans doute
à son premier film,
Un 32 août sur terre
: une atmosphère, une vision du cinéma, un regard, bref une touche qui le
distingue des autres faiseurs d'images. Et Denis Villeneuve y parvient
réellement ici :
Maelström est doté
d'une vie propre, avec une respiration et un univers à la fois cohérents et
personnels. Dès les premières images étranges de ce poisson monstrueux à la voix
rauque et caverneuse sur le point d'être dépecé, le ton est donné, l'ambiance
étrange installée. Le cinéaste ne perdra cette force et cette atmosphère qu'en
quelques endroits seulement, réussissant le plus souvent à garder son film tendu
tel un fil, en équilibre entre le drame, le bizarre et la comédie. Ce ton
cinématographique qui s'épanouit dès ce deuxième film chez Villeneuve, rehaussé
d'une telle qualité technique et artistique, font de
Maelström une fort agréable surprise pour
ceux et celles qui, comme moi, étaient restés un peu perplexes sinon de glace
devant les hésitations et les lacunes de son premier long métrage, beaucoup
moins convaincant que celui-ci, ce qui témoigne d'une belle maturité acquise en
deux ans seulement.
Certains
défauts et tics de son premier film persistent toutefois : certaines carences du
côté de l’écriture (principalement du côté des dialogues, qui ne sont
manifestement pas la force de Villeneuve, certaines répliques tombant à plat),
une saturation et une utilisation excessive de la musique (on passe d'Aznavour à
Tom Waits, Grieg et des chants d’opéra, c’est lassant et ça donne l’impression
qu’il faut toujours renforcer l’image avec du son; or l'image se suffit souvent
à elle-même pour installer une atmosphère, et l'insistance de la musique donne
un effet vidéoclip qui rompt le charme et tombe parfois dans la facilité), et
aussi l’interprétation, inégale. Marie-Josée Croze, qui est de pratiquement
chaque scène et sur qui repose tout le film, se tire assez bien d’affaire, bien
que son personnage ne lui permet pas d'explorer un registre très large (elle
fait très Juliette Binoche et Irène Jacob, jusqu’à la ressemblance physique et
la coupe de cheveux, les prises de vue accentuant cette ressemblance).
Villeneuve a tout de même su bien l’encadrer, et c'est dans les moments presque
muets sans doute qu'elle est à son mieux. Le personnage fait énormément
Kieslowski (mélange de Bleu, de
La Double Vie de Véronique et de
Rouge), trop même. Tout de même, face à de
telles références, Marie-Josée Croze se débrouille dans l’ensemble fort bien, et
Villeneuve la filme fort bien aussi, utilisant surtout ses mouvements corporels
et ses regards en harmonie avec la respiration et le ton du film. Jean-Nicolas
Verreault, quant à lui, est sympathique et apporte une bouffée de fraîcheur au
film, mais son rôle n’est pas très développé et ne permet pas de mesurer son
registre d'acteur. Ce sont surtout les rôles secondaires qui impressionnent, en
particulier Stéphanie Morgenstern, excellence dans le rôle de la copine intello
de Bibiane.
Ceci
étant dit, malgré les quelques défauts ou tics que l’on peut lui trouver, et
malgré une parenté et une similarité confondantes avec l'univers de Kieslowski,
qui semble avoir influencé Villeneuve jusque dans certaines scènes précises qui
sont presque des reprises de
Bleu ou de
La Double
Vie de Véronique, Maelström
témoigne, beaucoup plus encore qu'Un 32 août sur terre,
du talent indéniable de Denis Villeneuve. Il possède une touche, sait installer
une atmosphère et inscrit son cinéma en continuité avec les tendances
internationales actuelles, ce qui est tout à son honneur. Au-delà des influences
non digérées et de quelques effets tape-à-l'oeil que l'on peut lui trouver,
Maelström est un film personnel, qui possède
sa propre signature et authenticité, fort de belles touches poétiques et
insolites, extrêmement bien construit, et contrairement à
Un 32 août, qui
s'essoufflait à mi-course,
Maelström se tient
du début à la fin et ne souffre d'aucun relâchement.
Avec ce film, Denis
Villeneuve a fait un immense bond en avant. On peut désormais le compter parmi
les cinéastes québécois les plus intéressants à suivre. Tout ceci fait de
Maelström un incontournable du cinéma
québécois actuel : il plaira grandement aux cinéphiles et les réconfortera
peut-être quant à l’avenir du cinéma québécois. À mettre pour l'instant, avec le
Zigrail d'André Turpin
dont on attend dans la plus grande impatience un deuxième long métrage, parmi
les films québécois récents les plus prometteurs et riches. Un cinéma québécois
qui pourra peut-être enfin faire surgir une nouvelle génération et de nouvelles
esthétiques, et ainsi pouvoir se comparer sans complexe d'infériorité aux
cinématographies européennes, américaines et asiatiques, afin de sortir enfin un
peu de sa frilosité indécrottable.
Maelström
