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Jour
5 - 15
octobre
Christopher Columbus, The
Enigma,
Manoel de Oliveira, Portugal
 Le
doyen du septième art est un travailleur absolument infatigable. Depuis
1990, pas une année n'est passée sans que Manoel de Oliveira ne réalise un
long métrage. À 98 ans bien sonnés, il persiste et signe avec
Christopher Columbus, The
Enigma, dans
lequel il fait lui-même une apparition en tant qu'acteur, aux côtés de sa
femme, Maria Isabel de Oliveira. Le cinéaste y incarne un homme de science
et historien qui cherche à prouver que Christophe Colomb était en fait
d'origine portugaise. Le film repose tout entier sur cette quête historique
dont on ignore si elle repose sur de véritables fondements ou si elle n'est
que pure invention farfelue. On se rappellera que le cinéaste avait déjà
exploité un thème similaire dans Le Couvent,
en 1995, partant du canular voulant que Shakespeare soit espagnol, avec des
résultats qui étaient beaucoup plus intéressants et élaborés. Cette fois-ci,
la démonstration est l'occasion pour Manoel de Oliveira d'étayer son
érudition culturelle fortement teintée de patriotisme pro-portugais. On aura
ainsi droit à un inventaire de tout ce que les Portugais auraient découvert
ou inventé, à commencer par l'Amérique. Le film prend la forme d'un parcours
dans le passé ainsi que d'un pèlerinage en des lieux évocateurs, d'abord
dans une Amérique noyée dans le brouillard, puis dans son propre pays. Comme
toujours, les statues fascinent le cinéaste, qui les filme avec un grand
sens du mystère et de la mélancolie. Hormis cela, toutefois, il y a ici très
peu à se mettre sous la dent cinéphile. Si la longévité et la créativité
prolifique du maître cinéaste portugais sont vivement impressionnantes et
imposent le respect, en revanche il faudra avouer que nous sommes devant une
oeuvre mineure de sa filmographie, dont on extraira bien peu de pertinence
en dehors de notre curiosité de voir le cinéaste et sa femme à l'écran. Cet
élément vaut à lui seul le visionnement, en particulier lors d'un témoignage
d'amour émouvant, que Maria Isabel de Oliveira offre à son mari, devant la
caméra. Moment touchant, donc, malgré les limites manifestes d'un film
presque bancal, sauvé par le plaisir attendri de voir ces deux êtres qui
creusent le sillon de la mémoire et de l'appartenance culturelle.
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Les Méduses,
Shira Geffen et Etgar Keret, Israël
 Premier
film récompensé de la prestigieuse Caméra d'Or du Festival de Cannes, et qui
présente les déboires de plusieurs femmes habitant Tel-Aviv. Voilà donc une
nouvelle variante de la mode cinématographique des chassés-croisés
narratifs, construits autour d'une galerie de personnages féminins
emblématiques, qui vont de la jeune mariée insécure à l'immigrée des
Philippines éloignée de sa famille en passant par une actrice de théâtre
rejetée par sa mère acariâtre et une jeune femme à la condition précaire qui
recueille une petite fille muette et mystérieuse. Tous ces destins s'agitent
devant nous, au fil de petits drames quotidiens reliés entre eux par une
atmosphère de chronique sociale douce-amère mâtinée d'envolées poétiques et
oniriques. Le tandem de cinéastes maîtrise très bien le médium
cinématographique, comme en témoignent la savoureuse composition des
personnages et la légère excentricité des situations, toutefois souvent un
peu forcées de manière à atteindre une sorte de réalisme magique et aérien
qui apparaît par moments un peu trop plaqué. La mise en scène est très
conventionnelle mais démontre un certain savoir-faire qui plaira à un large
public cinéphile. Divertissant et plutôt charmant, mais rien de
transcendant.
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XXY,
Lucia Puenzo, Argentine
 Sujet
audacieux et difficile pour le premier film de cette cinéaste argentine, et
pari dramatique entièrement réussi.
XXY
aborde un thème délicat et rarement abordé au cinéma : l'hermaphrodisme. Son
personnage principal, magnifiquement interprété par la toute jeune
Inés Efron, est une adolescente de quinze
ans aux prises avec les affres de sa différence sexuelle. Mal dans sa peau,
déchirée entre le masculin et le féminin, Alex est confrontée à sa
marginalité et au difficile passage à la vie adulte. Ses angoisses et ses
questionnements seront décuplés par la visite intéressée d'un couple d'amis
de ses parents et de leur jeune fils. Un lien trouble s'établit avec
celui-ci, et un enchaînement de situations forcera Alex, ainsi que ses
parents, à faire face aux enjeux créés par sa condition physique
particulière. Partie de ce sujet brûlant et propice à tous les excès de
pathos et aux clichés sensationnalistes du phénomène de foire, Lucia Puenzo
choisit plutôt la voie d'un drame psychologique tout en pudeur et en
finesse, tout en abordant de front la douleur, les peurs et l'indécision de
son personnage principal, ainsi que le désarroi de son entourage. Son
portrait est extrêmement touchant et d'une grande justesse émotive. La
cinéaste a le courage d'incorporer des scènes dures et difficiles, qui
laissent une place importante aux zones d'ombre provoquées par la condition
insupportable d'Alex. La mise en scène est stylisée et raffinée, mais sans
excès, laissant toute la place au jeu impeccable des acteurs, en particulier
Ricardo Darin (The Aura), dans le rôle
du père, et Inés Efron, dont la composition androgyne, tourmentée, sensuelle
et bouillonnante est rien de moins que fantastique. Seule la musique,
quelque peu mièvre pour un sujet aussi grave, fait tache dans cette première
oeuvre extrêmement sensible et juste, qui représentera l'Argentine dans la
course à l'Oscar du meilleur film étranger.
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Voleurs de chevaux, Micha Wald,
Belgique
 Autre
premier film, autre réussite, cette fois dans un registre totalement
différent. Le très jeune Micha Wald démontre beaucoup de talent avec ce film
d'aventures physique et viscéral, entièrement composé de sang, de violence
et de sueur. Le récit est campé au début du XIXe siècle, dans un
lieu indéfini ("quelque part à l'Est") où le peuple vit sous la terreur
brutale des Cosaques. C'est là que le destin de deux tandems de frères, les
premiers enrôlés dans l'armée cosaque et les deux autres habiles voleurs de
montures, seront tragiquement liés. Habilement construit en trois parties
distinctes,
Voleurs de chevaux repose
sur une série de confrontations corporelles éprouvantes et douloureuses :
duels, batailles et agressions se multiplient à l'infini. Les protagonistes
y sont des bêtes tour à tour menacées et menaçantes qui luttent pour leur
survie, dans un monde impitoyable où la virilité est synonyme de sévices, de
massacres et de cruauté. Les thèmes de la survie, de la vengeance et des
rapports entre frères sont abordés, mais simplement esquissés. Le jeu des
acteurs est très juste et convaincant dans l'ensemble, mais le cinéaste a
manifestement peu d'intérêt pour le développement psychologique de ses
personnages, plutôt unidimensionnels. Question d'approche : on a ici affaire
à un pur film d'action, d'époque de surcroît, corporel et organique, un
ballet de chair assumant pleinement son aspect sanguinolent et brutal. Et il
faut avouer que l'exercice est particulièrement bien mené. Pleine de rage et
admirablement stylisée, la mise en scène est nerveuse et enlevée à souhait,
la musique impeccable et les jeunes acteurs offrent une performance physique
impressionnante. Du beau travail, pour un film d'action à la beauté sauvage
et indomptée.
* * *
Stellet Licht (Lumière
silencieuse), Carlos Reygadas, Mexique
En ouverture, le ciel étoilé, qui laisse
lentement place à l'aube. Longue séquence apaisée, d'une pureté visuelle
assourdissante, ponctuée des bruits de la nature qui s'éveille. Ainsi débute
un véritable monument de grâce cinématographique, qui nous plonge dans un
état de recueillement total. Pour son troisième long métrage, Carlos
Reygadas abandonne le registre du sordide et de la perversion de ses films
précédents et épouse un style ample et cosmique, où il atteint une dimension
mystique. Incroyable affirmation de maturité pour ce cinéaste dont
l'approche filmique atteint ici un sommet d'épure et de majesté, perceptible
dans la composition étourdissante de chaque plan de cette oeuvre à la beauté
austère et tellurique. Son regard se pose sur une communauté recluse aux
confins du Mexique, qui parle le Plautdietsch, un dialecte allemand dont
c'est la première utilisation au cinéma.
Stellet
Licht dresse le portrait tragique d'un homme déchiré entre
l'amour qu'il porte à son épouse et sa relation avec une autre femme. Une
trame simple et convenue qui se transforme en une expérience sensorielle
unique. Privilégiant un dépouillement narratif extrême, avec une sidérante
économie de dialogues, Reygadas dévoile la spiritualité toute intériorisée
de ces êtres marqués par la douleur. Filmés comme des icônes religieuses
assaillies par une histoire aux allures de tragédie grecque, les acteurs
font preuve d'une retenue dont le stoïcisme est inébranlable. Reygadas, qui
a affirmé s'être inspiré de Carl Theodor Dreyer, filme leur univers avec un
style à la fois solennel, sensuel et plus grand que nature. Sublime regard
d'ascète visuel, qui redonne une splendeur immense à la nature et aux
espaces, et dont l'univers de plus en plus affirmé ne ressemble à celui
d'aucun autre cinéaste, sinon peut-être à celui de Bruno Dumont, dont il se
détache pourtant ici tant il atteint un état d'extase religieuse et humaine.
C'est peu de dire que notre vision du monde est transformée par cette oeuvre
dense, et qui laisse au bord de la transe.
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